This Exhibition Presents an Extreme Vision of Japanese Visual Culture
Depuis sa nouvelle galerie située à Holland Park, Michael Hoppen nous parle de la mise en valeur des extrêmes, de l’éclectisme et des nombreuses nuances de l’esthétique japonaise.
En achetant sa première photographie ancienne à Portobello Road dans les années 1980, Michael Hoppen est entré dans une histoire d’amour avec le Japon. Il avait vu un tirage à l’albumine du XIXe siècle représentant deux lutteurs Sumo, leurs corps enlacés fixant l’appareil photo d’une manière inébranlable. Attiré par l’étrange artifice de l’image, Michael Hoppen s’est rendu régulièrement au Japon au cours des décennies suivantes.
Aujourd’hui encore, le galeriste se rend au moins deux fois par an au Japon pour y faire de nouvelles découvertes.
Speaking from his new gallery space in Holland Park, Michael Hoppen talks about showcasing the extremes, eclecticism, and many nuances of Japanese aesthetics
Upon buying his first vintage photograph in Portobello Road in the 1980s, Michael Hoppen entered into a love affair with Japan. He had caught sight of a 19th-century albumen print of two Sumo wrestlers, their bodies entwined as they stared back unwaveringly at the camera. Drawn to the strange artifice of the image, for the next few decades, Hoppen began regularly visiting Japan. Still to this day, the gallerist travels at least twice a year to forage for new discoveries.
En tant qu’artiste en formation dans les années 1980, Michael Hoppen dit qu’il a été « complètement époustouflé par l’énergie et la diversité du Japon. J’ai été séduit par presque tout ce que j’ai vu ». L’exposition Okashi, qui se tient dans sa toute nouvelle galerie au nom éponyme, à Holland Park, est un témoignage visuel de la japonophilie de Michael Hoppen depuis toujours.
Conçue il y a plusieurs années, l’exposition Okashi a été reportée en raison de la pandémie. « Nous savions que nous voulions mettre en lumière de nombreuses facettes de la culture japonaise, en rassemblant dans un même espace d’exposition des œuvres de différents supports », explique M. Hoppen. « Le fil conducteur de l’exposition est la narration, qui découle des traditions du manga qui ont été dominantes pendant de nombreux siècles. Ces traditions se retrouvent dans les vêtements, comme le kimono ou même la veste de pompier présentée dans l’exposition ».
Éclectique et expansif, Hoppen ne voulait pas simplement répéter ou encourager des compréhensions familières de l’art japonais avec Okashi. « L’exposition a pour but de transmettre la narration et le folklore en tant qu’aspects centraux de la culture japonaise », explique-t-il. « Mais le but était d’apprécier le fait que chaque objet exposé a été fait à la main avec soin et fabriqué avec une incroyable attention aux détails.
As an artist-in-training in the 1980s, Hoppen says he was “completely blown away by Japan’s energy and diversity. I was seduced by almost everything I laid eyes on.” Okashi, an exhibition at his eponymously named, newly opened gallery in Holland Park, is a visual testament to Hoppen’s lifelong Japanophilia.
First conceived years ago, Okashi was postponed due to the pandemic. “We knew we wanted to bring many different strands of Japanese culture to light, assembling different works from across mediums into one exhibition space,” Hoppen says. “The common thread running through the show is storytelling, which stems from the traditions of manga that have been prominent for many centuries. These play out in items of clothing, such as the kimono or even a fireman’s jacket that is on display in the exhibition.”
Eclectic and expansive, Hoppen didn’t want to simply repeat or encourage familiar understandings of Japanese art with Okashi. “The show intends to convey narrative and folklore as a central aspect of Japanese culture,” he says. “But the aim was to appreciate that every item on display was handmade with care and fabricated with incredible attention to detail.”
‘Okashi« , qui se traduit littéralement par « bonbons » ou « confiserie », signifie également une sorte de corne d’abondance, explique M. Hoppen. « Le concept d’okashi, utilisé tout au long de l’histoire de l’esthétique japonaise, fait référence aux choses qui plaisent par leur étrangeté, leur humour ou leur pouvoir d’intrigue », explique-t-il. Les contrastes véhiculés par le mot lui-même reflètent la riche complexité de la culture japonaise, faisant allusion aux juxtapositions entre l’histoire et la modernité, la tradition et la nouveauté, l’innocence et l’imagerie sexuellement chargée, et l’artifice de la mise en scène et la réalité de la photographie de rue de l’après-guerre.
Les contrastes frappants en jeu reflètent un pays aux prises avec un nouveau sentiment d’identité au milieu d’une histoire violente et turbulente, en particulier avant et après la Seconde Guerre mondiale, qui a changé de manière irréversible le paysage économique et culturel. « Le traumatisme a profondément marqué le Japon après la guerre – il a provoqué une rupture massive dans la société », explique M. Hoppen. « L’occupation du Japon par les Américains a entraîné des changements fondamentaux. Certains aspects de la culture américaine ont été acceptés, mais il y a toujours eu un fort désir de protéger et de préserver ce qui est considéré comme authentiquement « japonais ». La culture s’est opposée avec véhémence à toute forme d’intrusion ».
Dans l’après-guerre, une école de photographes expérimentaux cherchant à briser les conventions, comme Shomei Tomatsu, Daido Moriyama, Eikoh Hosoe, Masahisa Fukase et Nobuyoshi Araki, a proposé un langage visuel entièrement nouveau et a élargi les paramètres mêmes de ce que pouvait être la photographie. « Moriyama et d’autres photographes de sa génération créaient des images spécialement pour les livres de photos », explique M. Hoppen. « Les livres de photos sont des objets rares et de collection qui requièrent une bonne maîtrise visuelle et peuvent être difficiles à comprendre pour un anglophone. Il peut être difficile de comprendre ce que l’on regarde, mais plus on voit, plus on apprend. »
‘Okashi’, which literally translates as sweets or confectionery, also signifies a kind of cornucopia, Hoppen explains. “The concept of okashi used throughout Japanese aesthetic history refers to those things which delight for their strangeness, their humour, or their power to intrigue,” he says. The contrasts conveyed by the word itself mirror the rich complexity of Japanese culture, alluding to juxtapositions between history and modernity, tradition and novelty, innocence to sexually charged imagery, and staged artifice to the realness of post-war street photography.
The striking contrasts at play reflect a country grappling with a new sense of self amid a violent and turbulent history, especially before and after the Second World War, which irreversibly changed the economic and cultural landscape. “Trauma deeply impacted Japan after the war – it brought about a massive rupture in society,” explains Hoppen. “When the Americans occupied Japan, it brought about some fundamental changes. Some aspects of American culture were accepted, but there was always a strong desire to protect and preserve what is considered authentically ‘Japanese’. The culture has been vehemently opposed to forms of intrusion.”
In the post-war era, a school of experimental photographers looking to break convention including Shomei Tomatsu, Daido Moriyama, Eikoh Hosoe, Masahisa Fukase and Nobuyoshi Araki proposed an entirely novel visual language and expanded the very parameters of what photography could be. “Moriyama and other photographers of his generation were creating images specifically for photo books,” says Hoppen. “Photobooks are rare, collectible items that require visual fluency and can initially be challenging for an English person to understand. It can be hard to figure out what you’re looking at, but the more you see, the more you learn.”
Okashi rassemble également les travaux photographiques de Gen Ōtsuka, notamment son œuvre Ballet Dancers, Tokyo (1954), qui montre deux jeunes danseurs penchés vers l’appareil photo dans une élégante arabesque – un positionnement des corps qui fait écho à la mise en scène théâtrale des lutteurs de sumo qui avait initialement attiré Hoppen.
Les œuvres du célèbre photographe Eikoh Hosoe sont également exposées. La série de photographies emblématiques de Hosoe, Barakei, également connue sous le nom d’Ordeal by Roses (1961), présente des portraits de Mishima Yukio, le dernier samouraï à mourir par suicide rituel (connu sous le nom de seppuku) en 1970. Moment dramatique qui a choqué le monde entier, le livre reflète la façon dont Mishima voulait être perçu après sa mort, agissant comme une sorte de requiem visuel.Ailleurs dans la galerie, Okashi présente des œuvres du prolifique photographe Nobuyoshi Araki, dont les clichés provocants – situés quelque part entre les beaux-arts et la pornographie – ont introduit le public japonais dans le monde de l’érotisme graphique, poursuivant le genre sexuellement explicite du Shunga qui avait fleuri au XVIIe siècle à l’époque d’Edo, mais qui n’avait été vu que par l’élite et les classes dirigeantes. « Araki est un personnage mieux connu en dehors du Japon, en grande partie parce qu’il était un très bon publiciste », explique M. Hoppen. « Il n’est ni plus ni moins important que les autres, mais il a été élevé au cœur des bas-fonds de Tokyo et a été entouré par la vie nocturne, les prostituées, les gangs et les yakuza.
Okashi also assembles the photographic works of Gen Ōtsuka, notably his work Ballet Dancers, Tokyo (1954), which reveals two young dancers leaning down towards the camera in elegant arabesque – a positioning of bodies echoing the staged theatricalism of the sumo wrestlers that had initially attracted Hoppen.
Meanwhile, work by celebrated photographer Eikoh Hosoe is also on display. Hosoe’s iconic series of photographs Barakei, also known as Ordeal by Roses (1961) features portraits of Mishima Yukio – the last samurai to die by ritual suicide (known as seppuku) in 1970. A dramatic moment that shocked the world, the book reflects how Mishima wanted to be perceived after his death – acting as a kind of visual requiem.
Elsewhere in the gallery, Okashi features work by the prolific photographer Nobuyoshi Araki, whose provocative shots – situated somewhere between fine art and pornography – introduced Japanese audiences to the world of graphic eroticism, continuing the sexually explicit genre of Shunga that had flourished in the 17th-century Edo period but had only been viewed by the elite, ruling classes. “Araki is a figure who is better known outside of Japan largely because he was a very good self-publicist,” Hoppen says. “He’s by no means more or less important than the others, but he was brought up in the heart of the underbelly of Tokyo and was surrounded by the nightlife, the prostitutes, the gangs and the yakuza.”
Issu d’une génération de photographes à l’esprit punk ouvert, voire sans filtre, Araki était, selon Hoppen, « très attaché à la représentation de la culture japonaise dans son sens le plus brut ». Son travail est souvent mal compris, mais ses images sexuellement explicites et ses travaux sur le bondage peuvent également être considérés comme des reflets de la culture de l’époque. Il est une sorte de diariste qui a remis en question les mœurs sociales, notamment en se confrontant à la censure accrue au Japon au milieu des années 80″.
Okashi est une exposition qui embrasse les extrêmes, l’éclectisme et les nombreuses nuances de l’esthétique japonaise. Reflétant un pays qui a continuellement cherché à se réinventer tout en résistant aux influences du monde extérieur pour préserver sa culture, l’exposition révèle une perspective kaléidoscopique – une riche alchimie visuelle de traditions et d’innovations qui façonnent la délicieuse étrangeté, ou « okashi », que nous associons au Japon.
From a generation of photographers with an open, if not unfiltered, punk spirit, according to Hoppen, Araki was “very fixated on representing Japanese culture in its rawest sense. His work is often misunderstood, but his sexually explicit images and rope bondage works can also be read as reflections of the culture at that time. He’s a kind of diarist who challenged social mores, especially by confronting the increased censorship in Japan in the mid-80s.”
Okashi is an exhibition embracing extremes, eclecticism, and the many nuances of Japanese aesthetics. Reflecting a country that has continually sought to reinvent itself while also resisting influences from the outside world to preserve its culture, the show reveals a kaleidoscopic perspective – a rich visual alchemy of traditions and innovations that shape the delightful strangeness, or ‘okashi’ we associate with Japan.
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